El
interés en el tema de la reina loca de amor, que había de ocupar a varios
otros pintores y a dramaturgos como Tamayo y Baus, se muestra en un boceto
titulado Doña Juana "la Loca" en los adarves del Castillo de la Mota de
sus primeros años y en la pintura de una Doña Juana "la Loca" recluida
en Tordesillas, que procede de su última época y en la que el desvalimiento
de la reina se expresa a través de la selección de colores fríos, a los
que ayuda el foco de luz invernal que ilumina la figura por la izquierda.
La mirada perdida y los objetos cotidianos colocados en el hueco de la ventana
contribuyen a la impresión de intimidad sorprendida que desprende toda la
figura. Como en el resto de su producción histórica, mucho más breve que
lo que su fama en este género pudiera hacer pensar, la preocupación fundamental
de Pradilla es recrear el momento a través de la expresión de los personajes
que lo protagonizaron.
Tras el éxito de Doña Juana "la Loca",
recibe el encargo de pintar La Rendición de Granada, obra también
sobradamente conocida, para la decoración del Palacio del Senado, donde
se exhibe todavía. Los dos cuadros mencionados convierten de inmediato a
Pradilla en uno de los pintores de historia más conocidos y reputados. La
Rendición le valió, además, la Gran Cruz de Isabel la Católica.
La Rendición es un cuadro más estático
que Doña Juana, en buena medida por el propio tema y por la cantidad
de personajes conocidos que debían aparecer en él (los propios Reyes Católicos,
Boabdil, el príncipe don Juan, el Gran Capitán, el inquisidor Torquemada,
etc.). Con todo, Pradilla dio buena muestra de su talento en la elección
de diferentes colores para los principales personajes, así como en la inclusión
de detalles que, como en el caso de los cortesanos de Doña Juana, prestan
variedad a la escena. destaca en este respecto la expresión del Gran Capitán,
que bromea con las damas de la reina a las que va escoltando. Los rostros
de las damas, sorprendidos en mitad de la conversación, está también claramente
independizados unos de otros. En el fondo de la escena, el paisaje granadino,
estudiado a fondo por el pintor en el propio escenario, presenta unos toques
naturalistas que alejan de nuevo la obra de Pradilla de los cuadros de asunto
histórico habituales en el momento.
Una tercera pintura histórica de gran formato
fue El Suspiro del Moro en la que de nuevo se ocupó Fradilla de
la toma de Granada, bien que en este caso desde la perspectiva del Boabdil
desterrado que da a su ciudad la última mirada. El cuadro fue resultado
de un encargo particular — aunque algunas fuentes señalen erróneamente
que el encargo partió del Ateneo madrileño — realizado por un magnate
ruso y, a la muerte de éste, de otro chileno que, a su vez, cedió los derechos
a un tercero con el que discutió el pintor, enojado por no habérsele tenido
en cuenta para la transacción. Hoy se desconoce el para dero de este cuadro,
que por sus dimensiones resulta difícil de esconder, bien que conservemos
de él reproducción fotográfica que muestra la sobriedad de la composición,
en la que Boabdil, de espaldas y vestido de blanco, observa desde un alto
su ciudad. El centro de la composición lo ocupa un caballo blanco, el de
Boabdil, sujeto por un criado, cuyas crines agita el mismo viento que mueve
las vestiduras del último rey de Granada.
Entre 1881 y 1883, fue director de la Academia
de Roma, bien que a regañadientes, pues su temperamento arisco y huidizo
lo hacían poco apto para dicho puesto. Tras cesar en el cargo con una excusa
fútil, permanece en la capital italiana hasta 1897, año en el que acepta
la dirección del Museo del Prado y regresa a España. Son los años en los
que se afianza su amistad con Joaquín Sorolla, que se había establecido
en Italia tras concluir su pensionado en la Academia. Su labor pictórica
es constante. La exposición de la Academia de Roma de 1884 exhibe su Corte
de Aragón celebrando juegos florales. Otros cuadros de esta época son
Vendimiadores en las lagunas Pontinas, El camino del santuario
o Escenas Venecianas.
En 1886, una quiebra económica acaba con
su tranquilidad: deberá volver a pintar para rehacer su situación y mantener
a su familia. La correspondencia con Sorolla nos da testimonio de sus preocupaciones
en este tiempo. A su regreso, permanece poco tiempo en la dirección del
Prado, en la que sustituía a Palmaroli. Su gestión tampoco parece haber
sido particularmente buena: dejó escapar algún fondo de interés que salió
a la venta en aquel tiempo a buen precio y hubo de sufrir algún robo en
la pinacoteca por parte de personal de la casa.
Tras abandonar el cargo, se instaló en Madrid
y se dedicó a la pintura, lo único que verdaderamente le importaba, hasta
su muerte. Sus últimos años los pasó casi aislado: no acudía a actos públicos
y rechazaba cuantas invitaciones recibía. La situación de su taller, en
lo que entonces eran las afueras de Madrid, contribuía a este aislamiento
que, de ningún modo, supuso abandono de los pinceles. Muy al contrario,
se sabe que aún cinco días antes de morir tuvo sesión con cinco modelos.
Su pintura estuvo muy cotizada en su momento,
hasta el extremo de que su nombre fue utilizado, sin su consentimiento,
para las ilustraciones de una edición de lujo de las Leyendas de Zorrilla.
Fue miembro de las reales academias de Bellas Artes de San Fernando de Madrid
y de San Luis de Zaragoza, de la Academia Francesa y de la Hispanic Society
de Nueva York. Asimismo, se le concedieron la a citada Gran Cruz de Isabel
la Católica y la Legión de Honor con rango de Caballero. Debido a haber
obtenido en su primera presencia en la Exposición Nacional el galardón más
alto, sólo concurrió a otra más, la de 1892, en la que se exhibió La
Rendición de Granada con motivo de la celebración del cuarto centenario
de dicho acontecimiento. Parece que el talante solitario del pintor fue
el motivo principal de este apartamiento de las Exposiciones Nacionales,
en las que no eran infrecuentes los favoritismos y los enfrentamientos dentro
de los jurados.
Asimismo, declinó la oferta que se le hizo
de participar en la decoración de San Francisco el Grande, una de las obras
pictóricas a las que más importancia se dio en aquel momento, argumentando
que estaba pintando La Rendición en Italia y que no podía trasladarse a
Madrid para pintar al fresco una de las bóvedas. Por parte de los encargados
de la decoración, debemos constatar que no insistieron en la presencia de
Pradilla, mejor pintor de historia que casi todos los que llevaron a cabo
la mencionada decoración.
Sirva como botón de muestra de su éxito internacional
el éxito cosechado en la Exposición Universal de Berlín, en la que fue el
único español premiado, donde obtuvo la medalla de honor por Misa al
aire libre en la romería de la Guía (Vigo). Asimismo, en 1892 fue nombrado
miembro honorario de la Academia de Pintura de Munich. Su éxito fue grande
tanto en España como en el resto de Europa y sigularmente en Alemania, donde
su obra paisajística (lo más abundante de su producción) fue en su tiempo
preferida a la de los impresionistas franceses y donde se lo reputó por
uno de los mejores paisajistas de Europa.
La producción de Pradilla es ingente (varios
millares incluyendo apuntes y bocetos, tal y como señaló su hijo) y en ella
destacan, junto con los cuadros de pintura histórica, convertidos en imágenes
canónicas de los hechos de la historia española que muestran, multitud de
cuadros de pequeño formato pintados del natural en los que con frecuencia
se limita a plasmar un detalle (una luz, un cielo tormentoso, sensaciones
de color, etc.), casi como si pretendiera utilizar el material para obras
de mayor envergadura, así el mencionado estudio del fuego para Doña Juana
"la Loca".
Con frecuencia, tomaba apuntes del natural
durante una temporada en zonas que le gustaban especialmente (así las Lagunas
Pontinas cerca de Roma o el Monasterio de Piedra en Zaragoza) para luego
elaborar los cuadros en el estudio. es el caso de cuadros como La lectura
de Anacreonte o bién Pasando el arroyo, pertenecientes
a su última época o de Emigrantes de otoño en el País Pontino,
de su etapa romana.
Asimismo fue destacado retratista (así el
sobrio y bellísimo Retrato de Lidia Pradilla) y colaboró en decoraciones
como la del madrileño palacio de los marqueses de Linares, hoy Casa de América,
para el que llevó a cabo catorce pinturas en lienzo que, según la costumbre
de la época, se fijaban después al muro. Los avatares de este palacio, cerrado
y deshabitado durante años, ha permitido conservar un conjunto decorativo
que de otro modo hubiera perecido como sucedió con los realizados en los
palacios de los duques de Santoña o la infanta Isabel, sujetos al cambio
de las modas decorativas.
El éxito de Pradilla hizo que su obra se
dispersara por Europa y América, lo que ha hecho infructuosas todas las
tentativas de establecer un catálogo completo de su producción. En este
respecto, es destacable la imposibilidad de hallar el paradero de cuadros
de la envergadura de El último Suspiro del Moro ya comentado. A
pesar de la utilización casi constante del óleo en el estudio y de su negativa
a pintar el fresco, destacó Pradilla por su experimentalismo técnico, en
especial en lo que al campo de la acuarela se refiere. Asimismo, destacó
por su control poco común del dibujo. Partiendo del último Románticismo,
Pradilla va a asimilar las innovaciones de los impresionistas y el preciosismo
de la pintura italiana a su propio estilo. |
—
Doña Juana
“La Loca” ante el féretro de Felipe el Hermoso
(340x500cm) _ Doña
Juana “La Loca” _ Pradilla did several representations of
Juana la Loca [< here is one]; many other 19th Century
painters did the same. Within the historical trend of this century's painting,
the insane Castilian princess was a common model. 
This
painting captures a moment when the princess' entourage take a break during
the long march she undertook to transfer the body of her deceased husband,
The Archduke Philip "The Handsome" [portrait by Pradilla >].
Her insanity, accentuated over a long period by jealousy, moved her to undertake
this journey (from Burgos to Granada, where she wished to bury her husband)
only traveling by night because "an honest woman should flee from the light
of day when she has lost her husband, who was the sun". During the day,
the casket was kept at monasteries along the way, although in this painting
we see a convent of nuns rather than a monastery of monks as should have
been the case: Juana made them take the casket out of the church though,
because she was jealous of woman's eye being set upon her departed husband.
