1.- Aplicación del concepto de Generación.
Si algún grupo de autores merece el nombre de Generación,
sin duda es éste. Pese a las precauciones que hay que tener, podemos
considerarlos como grupo compacto, si bien con varie-dades muy notorias
dentro de ellos (lo cual es lógico). El grupo lo forman Pedro Salinas,
Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre,
Federico García Lorca, Luis Cernuda y Rafael Alberti. Algunos críticos
incluyen también a los malague-ños Emilio Prados y Manuel
Altolaguirre. Estos diez son los que se citan con mayor frecuencia, si
bien ello deja fuera de lugar a muchos otros (Hinojosa, Garfias, Chabás...)
que, por distintas razones, han quedado relegados a un segundo término
Estrictamente estamos ante un grupo generacional (el nombre "grupo
del 27" ha sido muy usado por la crítica (G. de Torre, D.Alonso,
Rozas); tam-bién se les ha dado otros menos afortunados: del 25
(Cernuda, J.L.Cano), de la Dictadura (Max Aub), Vanguardista (Rozas), de
la República, de Guillén-Lorca...).
*Todos nacen en un período menor a 15 años: desde
1891 (Salinas) a 1905 (Altolaguirre).
*Formación intelectual semejante: la mayoría son universitarios,
algunos llegan a ser profesores (Salinas, Guillén, Alonso...). Casi
todos pasaron por la Residencia de Estudiantes.
*El acontecimiento generacional que les une (aunque muchos ya estaban
unidos) fue la celebración del tricen-tenario de la muerte de Góngora,
con unos actos de rei-vindicación del poeta cordobés (cuya
obra "difícil" aún no había sido redescubierta). Se
oponen a los que no reconocían el talento de Góngora (actos
contra la Acade-mia). Celebran un homenaje en el ateneo sevillano, invitados
por Ignacio Sánchez Mejías. Colabo-ran en las mismas revistas
(Revista de Occidente, Litoral). De 1920 a 1936 sus vidas están
muy uni-das.
*No hubo caudillo (algunos hablan de Juan Ramón, pero no
parece claro, pese a su gran influencia).
*No se alzan contra nada (son muy respetuosos con la tradición
literaria española; de hecho, este dato impide que cuaje el nombre
de "Generación vanguardista", ya que son tan vanguardistas como
tradicionales (J.M.Rozas).
*No existe un único estilo; eso sí, en todos se ve
el deseo de renovar el lenguaje poético y a veces coinciden en su
trayectoria, aunque cada uno mantiene un estilo muy personal (afortunada-mente).
Para todos la poesía es algo muy serio, que hay que trabajar bien,
buscando siempre la perfección formal y conceptual. Por eso Góngora
es el modelo común. Debicki señala que todos hacen de lo
poético una idea vital. Además, rastrea una serie de contactos
entre ellos:
+Interés por el empleo más adecuado de la forma y
de la lengua.
+Desdén por el sentimentalismo y la retórica.
+Rechazo de cualquier léxico particular como válido
en sí.
+Igualdad en el concepto de poesía como misterio.
Dámaso Alonso destaca otros puntos de conexión: "coetaneidad,
compañerismo, reacción similar ante excitantes externos".
Es firme defensor de la existencia de la generación. En todo caso,
sería partidario de reformar la idea de Petersen antes que renunciar
al nombre de Generación del 27. En cuanto a las características
de la generación, habla de dos fases:
+Hasta 1927: Triple influencia:
*del ultraísmo: ligar elementos distantes; ennoblecimiento
del humor.
*del Cubismo: asimilan la técnica, el odio a la anécdota
y a lo sentimental.
*de Paul Valéry: asepsia, deshumanización.
+A partir de 1927: "aumento de la temperatura humana", progresiva
"humanización".
2.-Afinidades estéticas.
En los autores del 27 es muy significativa la tendencia al equilibrio,
a la síntesis entre polos opuestos (Lázaro), incluso dentro
de un mismo autor:
*Entre lo intelectual y lo sentimental. La emoción
tiende a ser refrenada por el intelecto. Prefieren inteligencia, sentimiento
y sensibi-lidad a intelectualismo, sentimentalismo y sensiblería
(Bergamín). Se observa muy bien en Salinas.
*Entre una concepción romántica del arte (arrebato,
inspiración) y una concepción clásica (esfuerzo riguroso,
disciplina, perfección). Lorca decía que si era poeta "por
la gracia de Dios (o del demonio)" no lo era menos "por la gracia de la
técnica y del esfuerzo".
*Entre la pureza estética y la autenticidad humana, entre
la poesía pura (arte por el arte; deseo de belleza) y la poesía
auténtica, humana, preocupada por los problemas del hombre (más
habitual tras la guerra: Guillén, Aleixandre...).
*Entre el arte para minorías y mayorías. Alternan
el hermetismo y la claridad, lo culto y lo popular (Lorca, Alberti, Diego).
Se advierte un paso del "yo" al "nosotros". "El poeta canta por todos",
diría Aleixandre.
*Entre lo universal y lo español, entre los influjos de la
poesía europea del momento (surrealismo) y de la mejor poesía
española de siempre. Sienten gran atracción por la poesía
popular española: cancioneros, romanceros...
*Entre tradición y renovación. Se sienten próximos
a las Vanguardias (Lorca, Alberti, Aleixandre y Cernuda poseen libros surrealistas;
G.Diego, creacionistas); próximos a la generación anterior
(admiran a Juan Ramón, Ramón, Unamuno, los Machado, Rubén
Darío...); admiran del XIX a Bécquer (Alberti, ("Homenaje
a Bécquer") Cernuda "Donde habite el olvido"...); sienten auténtico
fervor por los clásicos: Manrique, Garcila-so, San Juan, Fray Luis,
Quevedo, Lope de Vega y, sobre todos, Góngora.
3.-Etapas en la evolución.
La clasificación más aceptada es la de Lázaro:
3.1. Hasta 1927.
-Influjo de Bécquer y del Modernismo. Pronto aparecen las
primeras Vanguardias. A la vez y, por influjo de Juan Ramón, se
orientan hacia la "poesía pura": "Poesía pura es todo lo
que permanece en el poema después de haber eliminado de él
todo lo que no es poesía"(Guillén). Se depura el poema de
todo lo anecdótico, de toda emoción que no sea puramente
artística. Para ello usan mucho la metáfora. Esta poesía
es bastante hermética y fría.
También lo "humano" les influye, sobre todo a través
de la lírica popular (Alberti). La sed de perfección formal
los lleva al clasicismo, sobre todo de 1925 al 27. Incluso podemos hablar
de una fase "gongorina".
3.2. De 1927 a la Guerra Civil.
Comienza a notarse cierto cansancio del puro formalismo. Se inicia
un proceso de rehumanización (más notorio en algunos autores,
pero presente en todos). Se dan las primeras obras surrealistas (radicalmente
opuesto a la poesía pura). Pasan a primer término nuevos
temas, más humanos: el amor, el deseo de plenitud, las frustraciones,
las inquietudes sociales o existenciales... Nace la revista Caballo verde
para la poesía, de Palo Neruda (1935), donde aparece el "Manifiesto
por una poesía sin pureza".
Algunos poetas, debido a sus inquietudes sociales, se interesan
en política (en el favor de la República, fundamentalmente).
3.3. Después de la guerra.
Lorca muere en 1936. El grupo se dispersa:
a)En el exilio Guillén escribe Clamor, obra en la que se
aleja de la poesía pura. Aparece el tema de la patria perdida.
b)En España quedan sólo D.Alonso y V.Aleixandre.,
que hacen poesía angustiada, existencial (Hijos de la ira, 1944).
4.- Autores del 27.
Nace en 1892 en Madrid. Profesor universitario en Sevi-lla, Murcia,
Cambridge, Boston... Muere exiliado en Boston en 1951. Los tres elementos
básicos de su creación son "autenticidad, belleza e ingenio".
El ingenio permite ahondar en los senti-mientos y acercarse así
a lo absoluto, superan-do las anécdotas concretas. Es un autor perfeccionista,
pero de gran sensibili-dad. Es el principal poeta del amor de su generación.
Podemos distinguir tres etapas en su producción:
1)Hasta 1932. Poesía pura bajo el influjo de Juan Ramón
Jiménez: Presagios (1923), Seguro azar (1929) y Fábula y
signo (1931).
2)1935-1939. Poeta del amor. Amor antirromántico (no es un
amor atormentado ni sufrido). El amor supone un enriquecimiento de la vida
y la persona, confiere sentido al mundo. La voz a ti debida (1933), Razón
de amor (1936) (algo más pesimista, aparecen los límites
del amor) y Largo lamento (1939) (de tono elegíaco: le canta al
amor que agoniza y muere.
3)Tras la guerra. Libros de poemas en lo que se observa una lucha
entre su fe en la vida y los signos angustiosos que ve a su alrededor.
El Contemplado (1946), Todo más claro (1949), Confianza (1955; libro
póstumo que recoge poemas escritos entre 1942-44).
Destacamos de Salinas su concepto del amor: amor antirromántico
(la amada es vista como amiga); la amada saca de la duda al amante, de
su nada anterior, le inventa un mundo, lo salva del caos. El amor es una
prodigiosa fuerza que da plenitud a la vida y que confiere sentido al mundo.
Por él, el poeta ama la vida y dice que sí al mundo.
Se han señalado las relaciones de Salinas con Guillén:
van a la realidad, buscan su esencia para hacerla lírica. Se diferencian
en que Salinas es más subjetivo y amétrico; Guillén
posee una más fuerte voluntad objetivadora y utiliza mayor regularidad
métrica.
Nace en Valladolid en 1893. Como Salinas, fue profesor univer-sitario
(Sevilla, Oxford, Murcia). En el exilio estuvo en EE.UU. y en Italia. Regresa
a Málaga, donde muere en 1984. Recibió el premio Cervantes
en 1977.
Guillén es el máximo representante de la poesía
pura dentro de su Generación. En sus poemas se observa una estili-zación
de la realidad, una depuración hasta quedarse con lo más
esencial de las cosas. Parte de la realidad y extrae de ella ideas, sentimientos
quintaesenciados.Su estilo está al servicio de dicha depuración.
Posee un lenguaje muy elaborado, muy selectivo, rigurosamente tratado,
pulido, que renuncia al efectismo: una poesía fría (sobre
todo en un primer contacto), difícil, pero de gran calidad artística:
ansia de perfección; afán de luz, de claridad. Domina a la
perfección las estrofas clásicas, sobre todo las décimas
y los sonetos.
Las influencias más destacables son las de Valéry
(poesía pura), Baudelaire (por su organización poética
en un solo libro) y Whitman (por su júbilo, su exaltación
de lo vital). También influyen los clásicos españoles:
Berceo, el Romancero, Gil Vicente, Machado, Juan Ramón, Unamuno.
Especial relevancia adquieren San Juan de la Cruz y fray Luis de León.
No en vano se ha hablado del "misticismo" en la poesía de Guillén,
de su deseo de descubrir, captar y expresar la armonía reflejada
en el mundo.
Guillén concibe su obra como un todo, al que da el nombre
de Aire nuestro. Se incluyen cinco ciclos, entre los que destacan Cántico
(1919-1950), Clamor (1950-1963) y Homenaje (1967).
En Cántico se recogen 300 poemas escritos desde 1919 a 1950.
La obra es una expresión del entu-siasmo de su autor ante el mundo.
"El mundo está bien hecho". La vida es hermosa por el simple hecho
de ser vida. "Ser. Nada más. Y basta. Es la absoluta dicha." Cántico
es un "sí" a la vida, un deseo de vivir "más". Es, pues,
una visión antirro-mántica del mundo. Canta Guillén
al amanecer y al mediodía; prefiere la primavera. Nos habla de luz,
aire, pájaros, árboles, ríos, mar. También
de cosas cotidianas: mesa, sillón, café, calle... Todo adquiere
presencia poética. Por eso el tiempo usado es el presente.
El amor no es sufrimiento, sino cima del vivir. Llama la atención
cómo Guillén conjuga en perfecto equilibrio su existencialismo
jubiloso con un cauce formal riguroso.
En Clamor, "Tiempo de historia", Guillén da un giro: se observa
una protesta ante los horrores y las miserias del momento histórico.
El poeta es optimista, pero no por ello deja de ver los defectos del mundo:
"Este mundo del hombre está mal hecho". El poeta se alza contra
el dolor. También aparece el tema de España: la guerra, el
exilio, la dictadura. De ahí su afirmación: "poesía
bastante pura, ma non troppo".
Clamor se divide en tres partes: Maremagnum (1957; denuncia de tiranías
e injusticias; verso libre: no es perfecta la forma, porque el mundo ya
no se percibe como perfecto); Que van a dar en la mar (1960; meditaciones
sobre el pasado); A la altura de las circunstancias (1963; Angustia; tema
de España).
Nació en Santander en 1896. Catedrático de Lengua y
Literatura en diversos institutos. Premio Cervantes en 1979. Murió
en Madrid en 1987. De él es la primera antología de la Generación
(1932)
Gerardo Diego sorprende por la variedad en su poesía. Variedad
de temas, de tonos, de estilos. Afirmaba que "yo no soy responsable de
que me atraigan simultáneamente el campo y la ciudad, la tradición
y el futuro; de que me encante el arte nuevo y me extasíe el antiguo;
de que me vuelva loco la retórica hecha, y me torne más loco
el capricho de volver a hacérmela -nueva- para mi uso particular
e intransferible". Cultiva, pues, tanto poesía clásica y
tradicional como vanguardista.
Entre otras, escribe El romancero de la novia (1918; lírica
tradicional con acento moderno), Imagen (1918-1925; libro creacionista;
en la misma línea escribió Manual de espumas o Poemas adrede),
Versos humanos (1918-1924; Premio nacional de poesía. Contiene el
famoso soneto al ciprés de Silos), donde reúne algunos grandes
sonetos... Su mejor obra "clásica" es Alondra de verdad, de 1941.
Tras la Guerra Civil se volvió más tradicionalista. Trató
todo tipo de temas: religioso, amoroso, taurino, musical, pueblos de España...
G.Diego es la mejor imagen de la síntesis entre tradición
y renovación. Es un gran maestro del arte de versificar, a lo que
añade sensibili-dad y sabiduría.
Nace en Madrid en 1898. Profesor universitario de gran presti-gio.
Fue director de la Real Academia. Premio Cervantes en 1978. Muere en 1990.
Está considerado como el principal crítico de la Genera-ción
del 27. Sus estudios de Estilística son muy apreciados. Como poeta
está a menor nivel que sus compañeros de Generación
(él mismo se considera un "segundón"; se autodefinió
como "poeta a rachas"). Comenzó dentro de la poesía pura
(Poemas puros; Poemillas de la ciudad (1921), pero su mejor obra, sin duda,
es Hijos de la ira (1944), obra fundamental en la posguerra española.
Reconoce que tuvo que venir la tragedia nacional para escribir su poesía
más auténtica, para escribir con libertad, ya que la poesía
deshumanizada anterior no era su fuerte. Es una obra de "poesía
desarraigada"; el mundo "es un caos y una angustia; la poesía una
frenética búsqueda de ordenación y de ancla". Es una
poesía existencial, pues. Hijos de la ira es un grito de protesta
contra las injusticias, el odio, la crueldad. El poeta pregunta con desgarro
a Dios sobre el sentido de tanta podredumbre. Es una obra escrita en versículos,
que rompe con el formalismo retórico imperante. En 1955 escribe
Hombre y Dios. Supone la presencia y reconocimiento de Dios (J.L.Cano).
Dios se realiza en el Hombre, ve la creación a través de
los ojos del Hombre.
Nace en Sevilla en 1898. A los dos años es trasladado a Málaga
y en 1909 a Madrid. Dedicó toda su vida a la poesía (su salud
precaria le impidió trabajar). Recibe el premio Nobel en 1977. Muere
en 1984.
Su obra está muy influida por el surrealismo (Cernuda dijo
de Aleixandre que era el mayor poeta que había dado este movimiento).
En 1931 define la poesía como "clarividente fusión del hombre
con lo creado", "aspiración a la unidad"; "Poesía es conocimiento"
(antes que belleza; las palabras no son bonitas o feas, simplemente necesarias);
"el poeta es una conciencia puesta en pie hasta el fin".
Destacan sus metáforas visionarias, sus imágenes
cósmicas y telúricas, de gran originalidad. Usa el verso
libre (con tendencia al alejandrino) y, en general podemos decir que es
una poesía "difícil" (en menor grado en su 2ª etapa).
Su obra suele dividirse en tres etapas:
1)Visión pesimista del hombre: imperfección, dolor,
angustia, fragilidad. Aleixandre envidia al vegetal, al mineral insensible.
Desea volver a la tierra, fundirse con la Naturaleza y participar de la
unidad de ésta. Destacan los libros Ámbito (1928),Espadas
como labios (1930-31) La destrucción o el amor y Sombra del paraíso.
La destrucción o el amor (1932-33). La pasión amorosa
se confunde con una pasión por la muerte liberadora. Grandes poemas
amorosos. Sólo se llega al amor total cuando el amante se destruye
en la llama amorosa para nacer, vivir, en la sangre del ser amado. Es obra
de misticismo panteísta.
Sombra del paraíso (1939-1943) es su obra cumbre. El poeta
desea un edén libre de sufrimiento y de muerte. Ansía una
existencia pura y elemental.
2)Abandono del surrealismo. El hombre se ve ahora positivamen-te.
La solidaridad lo engrandece. El poeta se funde con el pueblo y se convierte
en su voz. El hombre no está solo. Historia del corazón (1945-1953).
El poeta canta el vivir de la indefensa criatura humana (Bousoño).
En la misma línea se encuentra En un vasto dominio (1958-62)
3)Poemas de la consumación (1968) supone un nuevo giro en
la poesía de Aleixandre. Añora la juventud y canta, entre
trágico y sereno, la consuma-ción de la existencia. El estilo
es más escueto y denso, con toques surrealistas.
Nació en Fuentevaqueros (Granada) en 1898. En 1919 ingre-sa
en la residencia de Estudiantes de Madrid. Becado por ella, de 1929-30
viaja a Nueva York. De vuelta a España, funda un grupo teatral universitario,
"La Barraca" (1932) para difundir el teatro clásico español.
Es fusilado en 1936.
Su personalidad tiene dos facetas contrapuestas: de un lado, era
optimista y vital; de otro, pesimista, angustiado, íntimamente frustrado
(se sentía marginado).
Destaca como poeta y dramaturgo. Veremos su primera faceta. Es un
poeta muy riguroso, en él se aúnan inspiración y técnica.
E.de Zuleta destaca esta doble vertiente de la producción lorquiana:
captación espontánea, intuitiva, de contenidos y formas;
proceso de consciente artesanía.
En su poesía aparecen unidas la pasión y la perfec-ción,
lo humano y lo estéticamente puro, lo popular y lo culto. Le atrae
la poesía tradicional, el cante jondo, los cancioneros del XV y
XVI, la poesía arábiga, Góngora, Bécquer, Rosalía,
Juan Ramón, Machado, Carrere, Unamuno, Darío, Vallejo, Neruda...
en todas sus obras late un tema principal: el sentimiento del destino
trágico del Hombre, la imposibilidad de realización del ser
humano. Sus principales obras son:
Poema del Cante Jondo (escrito de 1921-24; publicado en 1931). Es el libro de "la Andalucía del llanto"; Lorca expresa su dolor ante la vida a través de los cantes de nuestra tierra.
Romancero Gitano (1924-27; publicado en 1928). Fue un gran éxito. Lorca se preocupa por los hombres marginados y sus tragedias. Aparece el tema del destino trágico del hombre.
Poeta en Nueva York (1929-30) refleja el impacto que la gran ciudad
produjo en Lorca. Se advierte el ahogo y la rebe-lión contra un
mundo deshumanizado. Los temas del libro son el materialismo, la esclavitud
del hombre por la máquina, la injusticia social... Una parte está
dedicada a los negros (también marginados, como los gitanos). Es
un libro donde lo social adquiere gran importancia: el poeta sintoniza
con todos los hombres que sufren. Es una obra surrealista, escrita en versos
libres.
Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935) es
una gran elegía a la muerte del torero amigo. Fusión magistral
de lo popular y lo culto.
Sonetos del amor oscuro, once sonetos que destacan la maestría de Lorca.
Nació en el Puerto de Santa María en 1902. Estudió
con los jesuitas. De allí irá a Madrid en 1917. En 1925 recibe
el Premio Nacional de Literatura por su obra Marinero en Tierra (ex-aequo
con G.Diego). Afiliado al P.C.E., abandona España al concluir la
Guerra Civil. Reside en París, Argentina y Roma. En 1977 regresa
a España. En 1983 recibe el Premio Cervantes.
En la obra de Alberti se da una gran variedad de temas, tonos (del
humorístico y juguetón al angus-tiado) y estilos (poesía
pura, tradicional, popular, barroca, vanguardista). En 1931 descalificó
toda su poesía anterior, llamándola "poesía burguesa"
y se dedicó a hacer poesía "revolucionaria". Senabre destaca
su continua vuelta a sus raíces, la búsqueda ininterrumpida
de la arboleda perdida, la irreprimible nostalgia por lo perdido: su tierra,
el mar, España...
Etapas en su obra (no siempre cronológicas):
1)Lírica neopopular:
Marinero en Tierra (1924). Nostalgia del mar (=pureza) y su tierra
natal. La amante (1926). El alba de alhelí (1927).
2)Barroquismo y vanguardismo.
Cal y canto (1926-27). Gongorino y futurista a la vez. Gran dominio
de la técnica. Trata el mundo de los mitos modernos
Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos (1929).
Dedicado a las figuras del cine mudo.
3)Surrealismo: Sobre los ángeles (1929).
Responde a una crisis religiosa y vital del poeta. Es, quizás,
su obra maestra. Está escrita en versos libres, cortos al principio,
progresivamente mayores (versículos).
El poeta se ve sin luz para siempre, expulsado del paraí-so
perdido. Va errando por un mundo caótico y sin sentido. Los "ángeles"
simbolizan la crueldad, la tristeza, la desesperanza, la muerte... es decir,
distintos aspectos del Hombre. En la misma línea surrealista escribe
Sermones y moradas (1929-30).
4)Poesía cívica.
Poesía social y política, revolucionaria. Elegía
cívica (Con los zapatos puestos tengo que morir) (1930), El poeta
en la calle (1930-31), 13 bandas y 48 estrellas (1930), Poemas del mar
Caribe (1936), De un momento a otro (1938). Es una poesía de urgencia,
a veces buena, a veces panfletaria.
5)Poesía en el exilio.
Mezcla diversos estilos: obras sobre el destierro, de añoranza;
poesía política (Coplas de Juan Panadero)... Destaquemos
Roma, peligro para caminantes y Retornos de lo vivo lejano.
Nace en 1902 en Sevilla. Allí fue alumno de P.Salinas.
Partidario de la República, se exilia en 1938. Viaja por G.Bretaña
y Estados Unidos y muere en México, en 1963.
Soledad, dolor, sensibilidad... son notas características
de la personalidad de Cernuda. Su descontento con el mundo y su rebeldía
se deben, en gran medida, a su condición de homosexual, a su conciencia
de ser un marginado. Admite ser un "inadaptado". Sus principales influencias
proceden de autores románticos: Keats, Hölderling, Bécquer...
También de los clásicos, en especial de Garcilaso. Hay una
voluntad de síntesis muy propia del 27.
Su obra se basa en el contraste entre la su anhelo de realización
personal (el deseo) y los límites impuestos por el mundo que le
rodea (la realidad). Es una poesía de raíz romántica.
Los temas más habituales son la soledad, el deseo de un mundo habitable
y, sobre todo, el amor (exaltado o insatisfecho).
Posee Cernuda un estilo muy personal, alejado de las modas. En sus
inicios toca la poesía pura, el clasicismo y el Surrealismo, pero
a partir de 1932 inicia un estilo personal, cada vez más sencillo
(de una sencillez lúcidamente elaborada), basado en un triple rechazo:
-De los ritmos muy marcados (uso fundamental de versículos).
-De la rima.
-Del lenguaje brillante y lleno de imágenes: desea acercarse
al "lenguaje hablado, y el tono colo-quial" (lenguaje coloquial que esconde
una profunda elaboración.
Desde 1936 Cernuda reúne sus libros bajo un mismo título:
La realidad y el deseo, que se va engrosando hasta su versión definitiva,
en 1964. Esta obra está formada por varios ciclos:
1)Inicios: poesía pura (Perfil del aire, 1924-27; fue muy
mal recibida; D.Alonso declara que aún estaba "inmaduro") y clásica
garcilasiana (Égloga, elegía y oda, 1927-28)
2)Surrealismo: Un río, un amor, 1929; Los placeres prohi-bidos,
1931.
3)Su obra capital es Donde habite el olvido (1932-33), con un lengua-je
ya propio; es un libro desolado y triste, tremendamente sincero.
En esta línea se sitúa Invocaciones a las gracias del mundo
(1934-35), que incluye el poema "Soliloquio del farero", sobre el tema
de la soledad. Tres temas fundamentales en esta obra: la belleza de los
cuerpos masculinos, el destino del artista, la filosofía de la soledad.
Después de la guerra continúa con su línea
de depuración estilística, y trata temas como el de la patria
perdida, recordada con añoranza o rechazada. Persiste su amargura.
Desolación de la quimera (1956-62): es un balance final, sin retractarse
ni disculparse.
En prosa escribe Ocnos (1942) evocación de Andalucía
desde la distancia y Variaciones sobre tema mexicano. También fue
un crítico literario bastante agudo. Y traductor (de Hölderlin
y Shakespeare).
Texto facilitado por:
Juan Antonio González Romano.
