Quin ha de ser el paper de l´artista en la societat actual ?
Pot ser molt complex...
L'artista mostra a la societat (és a dir a la gent) la seva faceta creativa, espiritual, la 'no pràctica', fent agafar-nos consciència d'una part de nosaltres que sota cap circumstància pot morir.
L'artista ofereix alhora un 'producte' per a la societat del lleure... tenim més temps per passar-lo en allò que ens agrada (bé, tenim aquest temps realment ?) i hem de 'fer coses' amb aquest temps, que moltes vegades passem amb gent propera: anem al cinema, al teatre, a una exposició... L'artista és la base sobre la qual se sustenta una gran indústria, que progressivament genera més ingressos, més persones que hi 'treballen', més protagonisme social... ...
Per últim, l'artista mai no pot oblidar-se del seu paper 'revolucionari'. És alhora consciència de la societat que va deixant valors i altres coses pel camí, i ha d'expressar les seves reflexions ( ja que els seus conciutadans cada cop reflexionen menys, empassats per la voràgine del ritme del dia a dia) i ha de fer-ho a través del sentiment, un llenguatge universal al qual tots tenim accés, conduït per una tècnica que, cada dia més, se li exigirà depurada i 'professional'.
Josep Maria Viaplana viaplana@apdo.com 31-3-98 Premià de Mar (Catalunya)
L'artista no ha de tenir cap paper concret,simplement ha d'expressar les seves inquietuds, de la manera més pura i natural possible, deixant de banda tant com pugui, les tendències que l'envolten. Si és capaç de sorpendre i aconsegueix que algú gaudeixi de la seva originalitat, llavors el seu paper estarà molt estretament lligat al món de la comunicació, i comunicar-se és viure millor.
Josep Ullastre jup@infosys.es 31-3-98 Folgueroles (Catalunya)
Referent a la pregunta que es proposa o sigui quin és el paper de l´artista a la societat actual, penso que cap, no crec que tinguem cap paper francament.
Crec que la nostra és una activitat marginal, excepte en els casos dels artistes que han assolit una notorietat mediàtica, o sigui que surt o interessa als mitjans. Però en aquests casos el que acaba interessant finalment és el personatge, el que fa quasi és anècdota, i el personatge com a triomfador, com a persona que ha aconseguit un èxit professional i econòmic.
Vicenç Viaplana viaplana@interbook.net 3-4-98 Granollers (Catalunya)
Acabo de llegir Casa de nines de l'Ibsen. Aquesta obra està escrita el 1879 i parla del feminisme amb uns termes, una profunditat i una contundència que fins i tot són xocants ara mateix. En el seu temps aquesta obra de teatre va fer un aldarull colossal a tot Europa, bé, com el Beatles els anys 60 . Els seus plantejaments eren completament nous. "La veritat és sempre revolucionària" deia Cirici Pellicer. Total que va ser un xoc. El problema que hi veig a l'art actual és que sembla que ja s'ha dit tot. Com que l'essència de l'art és precisament portar les coses amagades a la llum i actualment sembla que tot ja està a la llum, l'únic que ens queda és fer estètica. I l'estètica sola no serveix per res. Per això penso que ara mateix el problema és aquest. No hi ha idees revolucionàries per expressar. Estem en punt mort. No sé si l'art s'ha mort, però de moment segur que està adormit i per molta estètica que hi posem és com una salsa per a un ossobuco sense l'ossobuco.
Joan Marc natural@interactivity.es 6-4-98 Granollers (Catalunya)
En la societat actual, on el jutge suprem ha desaparegut i els valors absoluts i les veritats eternes s´ha convertit en infinitat de veritats relatives, necessitem sovint un llenguatge divers per expressar la vida oculta dels sentiments.
Les ciències redueixen el món a simple objecte d´exploració tècnica i matemàtica. L´ésser humà posseeix una altra dimensió a més a més de la raó científica: la raó intuïtiva, els sentiments, l´arrelament a la historia, el somni, la fantasia,....
El pensament racional i la imaginació són dues dimensions essencials de la personalitat que s´interrelacionen. L´ART seria doncs el llenguatge de la imaginació (no em refereixo només a les arts plàstiques sinó en general).
Els mitjans de comunicació tendeixen a l´ homogeneïtzació, a la simplificació, a difondre clixés susceptibles de ser acceptats per tothom.
La funció de l´art seria la de preservar la complexitat, la diversitat de cada individu. Art seria tot allò que NO ens deixa indiferents, que ens descobreix alguna cosa nova, alguna nova sensació.
Si l´artista és la persona que sap manifestar la infinitud de la seva ànima a través de qualsevol mitjà d´expressió, la seva funció seria aquesta, la de posar la seva obra a disposició de qui la necessiti . Perquè la majoria ens servim de les obres d´art amb les que connectem, per expressar les nostres pròpies inquietuds. Si, igual que el forner posa cada dia el pa a disposició de qui el necessiti
Montserrat Masramon Pje. Joan Puig, 2 08500 27-5-98 Vic (Catalunya)
Traductor. Traductor, sí, d´un llenguatge que estem massa acostumats a sentir a un altre capaç de fer-nos entendre potser de manera pseudoculpidora: on som i què estem fent. Cada vegada més, tant per complexitat com per estrès tendeix a ser-nos més difícil la recapacitació i/o contemplació. No espero, amb això, criticar el fet de volar, en els molts sentits de la paraula, però sí que s´hauria de fer sense perdre mai de vista el terra (o la Terra , per als més agosarats).
En una societat actual tal com la nostra, on el desfici creix per moments i sembla que se´ns escapi el tren, pot resultar sovint difícil de situar-se. Les estones de lleure no se solen utilitzar massa per meditar. Fins i tot hi ha qui creu que això és perdre el temps. Sempre se sol pensar que s´ha de materialitzar la producció, malgrat que sigui intel.l ectual i això pot arribar a un punt que ens faci gairebé perdre bous i esquelles.
No, no és or tot el que llueix, ja que si per una banda tenim un gros ventall d´informació de tota mena que ens permet viure a l´aguait de moltes coses que ens poden ajudar a realitzar-nos, hem de pensar també que part del preu d´aquest privilegi és l´ habituació a ell, la qual cosa vol dir que possiblement ens minvi la capacitat de reacció i si deixem de ser gradualment susceptibles als missatges perdem una mica aquesta brúixola que ens referència sobre la nostra situació.
Cal doncs trobar nous llenguatges que sàpiguen acaparar la nostra atenció i sensibilitzar-nos de manera que ens portin a reconsiderar tota mena de valors, ànsies, desigs, interessos, aspiracions, fets i tot allò que calgui per ressituar-nos constantment de la manera menys manipuladora o condicionadora possible.
Fins no fa molt, potser a causa de a la seva escassesa, qualsevol cosa que fos divulgada en qualsevol d´aquells pocs mitjans de comunicació tenia uns efectes prou rendibles. Quantes vegades la pintura no ha servit per explicar, per exemple, la Història Sagrada ?, o l´escultura per immortalitzar gestes i batalles...?
Amb això no pretenc pas dir que hàgim d´abandonar aquestes arts, ni de bon tros, sinó canviar-los només potser el vocabulari.
ç Cal que l´artista sigui també una mica dinamitzador de recerques envers les tecnologies actuals. No poques vegades ens hem pogut adonar que "imperfeccions" tècniques de qualsevol branca les hem sublimades estimant-les, mostrant-les, exibint-les, palesant-les...Hi ha fent que ha canviat conceptes i sentiments per exemple enver l´òxid , la pedra vista, etc.
També possiblement sigui interessant conjugar diferents tècniques i per tan jugant aquí el paper de coordinador per poder arribar a uns resultats "frapans", efectius i tangibles, prou sensibilitzadors com per fer-nos capir totalment el seu manifest. Potser cal no parlar clar per descobrir-hi llum en el missatge.
I una mica blasmador de valors, també perquè a base de canviar l´entorn hem donat peu a anar-los amalgamant i a voltes seria interessant referenciar-los amb els més autòctons possibles, cosa prou difícil a causa de la evolució i/o progrés. Si no veiem el sentit o sentits de la trajectòria mal ens podem jactar del seu recorregut.
Totes les formes diferents de viure poden modificar o fins i tot crear sentiments, emocions o disposicions anímiques que tant per les presses, com deia el principi, com per un possible condicionament de la informació ens poden passar de manera inadvertits o inadvertides. Qui si no un artista amb aquest llenguatge diferent, peculiar, intrínsec, qui sap, pot fer-nos veure i percebre de manera fefaent la nostra nova idiosincràcia ?
Antoni Prat Ptge. Joan Puig, 2 1er. 3ª. 08500 27-5-98 Vic (Catalunya)
coixí, vaig llegir les paraules d´un senyor elevant celestialment la figura del mític Rinoceront. És naturalment cert que aquest animal fa l'acte sexual un cop durant la seva vida, però també és cert que l'acte, en qüestió, té una duració de una hora. Observant aquesta figura animal celestial, l'artista ha d'estar constantment inseminant d'art aquesta paraula que tant es fa servir i que li diuen societat. El paper de l'artista no és un cop a la vida i prou, sinó que és un procés lent d'observació, de plantejament, de reflexió, de realització, de valoració i de un procés inacabable de inseminació pels cinc sentits.
Jordi Batalla Villanueva. 12-6-98 Barcelona (Catalunya)
What´s the role of the artist in today´s society?
Don't Say "Art" Unless You Mean "Money" January 1, 1991-December 31, 1993
GIVE THE ART WORD TO THE ART WORLD
We must give the word art to the art world. Businessmen can become artists now, its what they've always wanted. Artists can become businessmen now, it's what they have always wanted. Instead of just saying everyone is an artist, let's make it true. Let's change the meaning of the word art to mean businessmen dealing in contemporary culture. And since everything has become entertainment thanks to tv, everything is culture, so everyone who buys and sells is buying and selling culture. We are all artists when we deal with money. Meanwhile there are the stupid few who insist on not being
artists. What would those people do? What would their activities consist of? They couldn't hide behind a grandiose term like art anymore so they'd have to use more specific names for what they do like paintings, dances, songs, brain-teasers, books, poetry, plays, stories, drawings, sculptures, etc. And if not for money why would these people do these things? Probably the reason would be difficult to explain. Maybe it's better not to explain. Not to give it a name, just to do it.
If we give the art word to the art world that will leave a void and the things people fill that void with can be clear and honest and fresh and come from a place inside each of us that exists before the words to describe it do. Yeah words are just symbols and pictures are just symbols but what are they symbols of? Concepts? Things? Whatever it is those
symbols represent, let's use that to understand what the symbols do and how they work and look at what they've created for us thus far. Yeah, we can let the void be filled with the same old stuff we filled it with when it was called art or we can give that stuff to the art world as a gift. The art word, the history, the museums, the galleries, of course the artists,
the masterpieces, the stereotypes, the jealousies, the judgements.
We can give all that to the art world and instead try filling the void with something we all want: the understanding of what history is and what words are, the understanding of what is really happening to us when we are moved to call something a masterpiece, the understanding of the reasons we use stereotypes, and discovering the reality behind the myths, (of course
reality is a problematic word, too), the understanding of jealousies and the abandonment of the fear that causes them, the understanding of our judgements and the criteria we use to judge things, and where that comes from. Yeah, if we fill the void with these things and that same time try to keep it fresh and honest and flexible enough not to get bogged down by new words and dogmas perhaps it would be an experiment worth trying. So I say give the art words to the art world , let it denote only cultural activities involving money and let your attention drift effortlessly to the void created by its absense. So don't say art, don't say anything . During your free time, feel free to send a clear message to the Word Strike
Action Committee PO Box 1500 New York NY 10009 USA.
WHY WORD STRIKE?: Separating Money and Art by Combining Them Forever by
Mark Bloch
After reading Tony Lowes' self-published A Wittgenstein Primer from 1984, I was impressed by Wittgenstein's writings. Some examples:
"(1) The problems are solved not by giving new information, but by arrangiong what we have always known.
(2) Philosophy is a battle against the bewitchment of our intellignece by means of language.
(9) It is very difficult to describe paths of thought where there are already many lines of thought laid down and not get into one of the grooves.
(13) To imagine a language means to imagine a form of life.
(18) Philosophical problems arise when language goes on holiday.
(36) One thinks that one is tracing the thing's nature over and over again when one is merely tracing round the frame through which we look.
(37) It is like a pair of eyeglasses on our nose through which we see whatever we look at. It nevers occurs to us to take them off.
(41) The clarity we are aiming at is indeed complete clarity. This means that the philosophical problems should completely disappear.
(57) While I am looking at an object I cannot imagine it.
(94) The concept of a living being has the same indeterminacy as that of a language.
(136) A child has much to learn before it can pretend.... "
what is the real solution? What tactic can we who call ourseves artists use that would be more than just a mere pose and could actually work? I see the biggest problem with art being the way it is treated as a commodity. Wittgenstein made me realize that the words were the problem. The first goal of a "word strike" would be to separate "art-as-commodity" from all other "art" by changing the meaning of a single word. In the future words like "art" can continue to be redefined until they have meaning once again. "Love" and "God" are other words that could use some attention. "Nation" and/or "country" might need to be re-examined some day. But for now let's focus on a relatively simple sphere: "art."
Some call "artists" "cultural workers". Does this accomplish anything? It is an attempt to put artists in the same category as construction workers or butchers, etc. and I just don't buy it, not given the current output of artists. Perhaps I could if they were serving a useful function in the society. (Plus it implies that a construction worker is not a cultural worker.) That being an artist is somehow a job. That could be true but it is not in our current society. It would be better if artists had a role to
play in the tribe that was essential to the other tribespeople. But we have something else: Artists making work for other artists and the public is left out of it. Art has become an elitist activity, divorced from the people. In our current society, the only artists who touch the people are the myth makers- the ad men, the people who create TV programs and films.
Those are the people who create myths that touch the public psyche. Not the Schnabels or even the Jenny Holzers or Barbara Krugers. These people are making art for other artists. Joseph Beuys attempted to break out of the elitist realm of theart world and touch regular people where they live. I believe that was Ray Johnson's original intention with his New York Correspondence School- to bypass the overly-sophisticated "Art World" and reach people directly. Today, (and only when it is at its best) the Eternal Network or Global Network is a myth that can be useful to all the people of
our society, a tool for all of us to use to reach out to other individuals, not just a chosen few. This reaching out to all the people is what I call the ancient healing function of art. Meanwhile the makers of the commercials and the TV programs and the slasher films and the Star Wars movies are the people who are weaving the dominant contemporary myths. We
need to weave our own. This is the key: we need to enter the public consciousness as the Big Boys have. Read Joseph Campbell. He addresses the importance of myths in all societies. If you are lazy catch him on public television on Bill Moyers' The Power Of Myth.
Ancient cycles and rituals must be kept alive through the creation of new myths. Our old myths are dead or irrelevant. We need updated myths for our new vision, our new experience. To create a new society we need new myths.
The artist's function is to keep alive mankind's inherent interest in a good story. It is through myths that the sophisticated language of the artist/philosopher/shaman is translated to the people. Through the mythologization of our life, we create a poignant tale out of the mundane. Perhaps artists do have a unique experience, a connection with the subconscious that the other tribespeople don't have. This does not deprive anyone of their "equal gift of vision." It simply acknowledges that
everyone has their own unique contribution to make in the society. So the shoe makers make their shoes and the artist/shaman/healers create "art" from their mystical experiences with their own subconscious. But the "art" must be translated for all the people. Because just as they need shoes, they need myths. They are equally important, art not more or less. The perception of the art as a more valuable commodity is what deprives others of their equal gift of vision. Everyone is free to make their own shoes and their own myths. But one way for an artist to have a valuable function in
the tribe, just as a shoemaker or a cook or a farmer does, is to tap into his subconscious and create a myth that the whole tribe can relate to.
People who are so proud of their materialistic perspective will try to convince me that the pursuit of the subconscious is a waste of time. But it was Joseph Campbell who said something like "intellectuality and systems will eat you alive if you on't use them for human purposes. Listen to your heart. The brain is a secondary organ." Isn't it a "harsh materialistic
perspective" which got us into this mess in the first place? It was only a matter of time before The Age of Reason turned into Chernobyl.
I say join the Word Strike and don't put your money where your mouth is. I say yeah, keep doing what your doing, but change what you call it to protect those of us who have integrity. If you are creating, no matter who you are, to make money you are an artist. If you are creating for any other reason your activity needn't have a name. Either activity is acceptable, but know what the consequences are of your choices. Declaring yourself to be an artist means you are entering into a world where money is the top priority. Quality and conviction matter less.
That brings up the question of whether a little social consciousness is better than none at all. Is there room for compromise? Does one have to make money off their creativity? Do we cease to create for "oppressive and exploitative" forces at all and use our energy to raise consciousness against such forces? Is sitting around feelingholier than thou because nothing has changed better than working "within the system"? Is it possible to completely leave "the system"? Are we "the system"?I think that if you are gonna sell out and get involved in the Spectacle, continue to try and fight the powers that be. Fight the parts of ourselves that are oppressive and exploitative. Three films I've seen recently which do this are Do The Right Thing by Spike Lee, Roger and Me by Michael Moore and How To Get Ahead in Advertising by Bruce Robinson. I had problems with them but I think they are a step in the right direction. Spike Lee's brilliant film
about racism and violence in New York City had a nebulous ending but maybe that's good just to make people think. Is that enough? Spikes ambiguity was used to that end. Bravo. Unfortunately it runs parallel to ambiguity I sense in the work of current art stars of Post-Structuralist fiddle faddle. Understandably so. The way has been paved for it. Duchamp pulled off "deconstructing" the art world, selling Brancusi's and setting up art collections for collectorswhile he blasted the pedestal "art" had become. But Duchamp's brilliance was later combined with 70s 80s Warholism, and conviction has been replaced by an empty deconstruction of everyhting all the way to the bank. So in today's spirit-starved climate, we all have to take a stand on the issue of art for money and money for art and how it's used. Should artists propose a solution to the "system" they operate within? Take a stand? Or is ambiguity enough.
As for Roger and Me I thought it was a bit manuipulative. It made Roger Smith, the chariman of General Motors into The Bad Guy and I'm not sure that's healthy. It's a simplistic solution to a complex problem. Critiques of both these films are rampant in the underground and mainstream press. And yeah, they are just another part of what Situationist Guy Debord called the Spectacle. How to Get Ahead In Advertising was probably covered in the media, too, but I managed to miss the media hoopla and watched it recently on video without any expectations. It is a most wonderful film! Not only is
it hilarious and surreal, but it is also a direct attack on the Spectacle in general and in particular personifies the advertising game as a boil on an adman's neck! Like the advertising it parodies, it cost millions of dollars to make, dollars that could've been used to feed starving children. Nevertheless, all three of these filmmakers are using their creativity to
make people think. Sure they also entertain. But had they withdrawn their creative energy the public would simply have three less choices, three less alternatives to the ubiquitous Hollywood bullshit that seems to go out of
its way to keep people from thinking about anything but stereotypes.
So what do we do- get out there and sell peace? Sell the idea of art-as-a-commodity as a commodity? Could a word strike go the route of Acid House and Macy's? Within a couple of weeks after the trend hit they were selling Acid House clothes. Co-opted by the consumer culture before it was even hep. Now the public- including 13 year old girls and boys with their insatiable appetite for newness is obsessed by trends. They are trying so desperately to be hip. I say we have a hemisphere without culture- any worthwhile culture- because it is all created for money. But the key is rising above this hunger for grooviness and getting on with fighting real hunger. The way to do that is to use the same techniques overnaments and Wall Street and Madison Avenue use but to do it for something less vacuuous than the pursuit of money.
Meanwhile there's the underground retreating into nonsense. But didn't the Dadas and Schwitters play that one out seventy five years ago? Didn't Raymond Roussel devote a lifetime to it? Why does Structuralism and its retarded children and precursors sell so well in university bookstores? Is it because words inherently have no meaning or is it just as result of thousands of years of abuse? How do we re-infuse words with meaning?
Many people have retreated into interesting "artistic" niches. They like to do things like tear apart "visual poetry" letter by letter. Is that the answer? Wasn't visual poetry supposed to tear apart conventional literature? Does that sort of hyper-analytic activity do anything to achieve the original aims of what visual poetry was about or did we somehow get off the track? I think the avant garde, just like the rest of our culture, is spiritually bankrupt. The "vanguard" started out questioning the road itself but led us on its own road to nowhere. It was interesting while it lasted but let's not get hooked on either road. We need to put a new road together- fast- and walk on it. Both "Pop Culture" and the "Avant
Garde" have left us standing in a rut where nothing has meaning. I say the way to achieve a shift away from what ails us is to cease to worship the emptiness of certain values, often personified by a few priviledged individuals. Both Pop Culture (which includes the Church and everything else once held sacred) and the Avant Garde have their empty agendas. Pop
Culture often draws its superstars from the Avant Garde. The superstars change (about every fifteen minutes according to the great and powerful Privilidged Prophet of Profit Mr. Warhol) to fit the current fashion. We value the Pop Star of the Week because we are told to. That leaves us feeling empty. Don't we simply value the wrong things, the wrong
individuals? It's as simple as that. Nothing seems to have value because certain words and concepts have no meaning. Our superstars have nothing of value to say. So the thing to do is to re-order our agenda to fit our priorities. We supposedly value "art" but we don't know what it means. So let's change the definition of art, not stick our heads in the sand.
What is new today will be tame tomorrow. Whether we do it for money or not, there is much work to be done.We can try to oppose the system but even rock'n'roll ended up in museum. Most artistsI know do our work more or less
underground. We make our money other ways, not from those activities that give us our sense of passion or commitment. Many of us are living "normal" lives, far away from the myth of the "starving artist" who is "sacrificing" himself for his "ideals"; the "misunderstood" "weirdo" who is "outside of society ." Those myths have done nothing good for our society, only isolated people and escalated the price of irises and water lilies. We need to stop that myth. We need to destroy the myth of the artist who creaties artifice and instead promote the myth of the creative person who takes responsiblility for the horrible reality that we've all created on our planet. We are people who can do what we want without the public's
expectations of us being starving oddballs. People who can simply do their best work.
So that when people come around and start asking questions we can tell them that we know what we're doing and we want them to help us to do it.
CREATIVE PEOPLE MUST LEAD
STOP THE BEAN COUNTERS
Planet Earth is not for sale
Mark Bloch markb@echonyc.com U.S.A. 22-4-98
¿Cuál ha de ser el papel del artista en la sociedad actual?
Considero que el primer problema que debemos plantearnos es el concepto de ARTE, ya que en nuestro servicio de documentación tenemos aproximadamente 473 definiciones diferentes sobre este asunto y suponemos que todas serán buenas...una vez resuelto este tema, el papel que juegan estas 473 definiciones en nuestra sociedad de hoy es variopinto y probablemente en una enciclopedia sería imposible recoger los matices del asunto. En concreto yo tengo un amigo licenciado en Bellas Artes que tuvo que irse a un pueblo abandonado de los Pirineo y estar allí un montón de años para no jugar ningún papel en la sociedad de hoy y mucho menos en la de mañana. Así que cuando, después de 6 años bajo de nuevo a la civilización y se encontró con lo que se encontró, se ha pasado otros seis años luchando para no jugar ningún papel como artista. Como resulta que el hombre, ya que es hombre, es muy creativo, lo tiene muy difícil y lo más que ha conseguido es no firmar ninguno de sus trabajos para al menos pasar al anonimato. En concreto este señor piensa que el papel que el artista juega en esta sociedad es totalmente prescindible. Dado que mi opinión es mucho mas amplia y además soy coordinador de una revista de Mail-Art y de un Museo de Mail-Art y Poesía Visual...y me pierdo en el océano de las palabras y las definiciones, me limito a comentar la opinión de mi amigo.
César Reglero Campos boek861@nil.fut.es 19-4-98
"...de qué sirve la filosofía si no está al servicio de los hombres?"
Epicuro
A partir del siglo XVI, con el surgimiento del capitalismo y la transformación del objeto de uso común en mercancía se instala la alienación entre el hombre y el producto de su trabajo. Este hecho provocado por el modo de producción que se venía imponiendo como necesidad histórica a los nuevos y urgentes requerimientos de los hombres a la luz del creciente desarrollo de sus posibilidades productivas, marcará, hasta su desaparición, nuestra vida social .
También impregnaría todos los sectores productivos, incluido el artístico, reforzándose, a su vez, por la necesidad ideológica de la burguesía emergente de argumentos que justificaran su poder frente a los demás sectores de la sociedad. El arte, entonces, surge como portador de ideales de belleza y elevados valores espirituales y sólo es auténtico y está bien realizado en cuanto se constituye en soporte de aquellos valores e ideales. .
El carácter fetichista de la mercancía enmascara la relación de poder, es decir, oculta la índole clasista del sistema capitalista y la propia existencia de la explotación. Éste fenómeno que, a nivel del arte, fue estudiado por el crítico alemán Walter Benjamin en su ensayo La obra de arte en la época de la reproductibilidad Técnica, convierte a la obra de arte en "única" y provista de un "prestigio" o "aura" que la hace inaccesible para quienes no la posean, se enmarca en el aparato ideológico que justifica el poder del sector social que puede comprarla, es decir, del sector social que "impone" sus valores a quien debe "sufrirlos" pasivamente , ocultando el carácter real de esta relación injusta. También la forma de consumo que esta característica del arte establece -contemplativo, impersonal y pasivo- no es ajeno a la estrategia de imposición: la obra no puede tocarse ni modificarse so pena de "sufrir el castigo divino" por interferir en la acción mesiánica de transmisión de aquellos valores .
La distancia entre el valor social y real de la obra de arte, en cuanto producto de comunicación, cuyo precio pudiera fijarse como cualquier otro producto, es decir, de acuerdo al tiempo de trabajo social que se empleó en su producción y su valor monetario ideal, oculta, también, su uso como instrumento de poder social. Álvaro de Sá, crítico brasileño, en su "Vangarda: Produto de Comunica‡ao", dice: Valor ideal arbitrario y artificial: aunque el objeto es único, (su) precio (es) oscilante, pudiendo aumentar, disminuir y nuevamente aumentar y viceversa, por situaciones especulativas que la clase propietaria establece en su relación interna y en sus propias postulaciones superestructurales. Valor ideal: no corresponde a un valor de trabajo abstracto social, materializado en la mercancía; es la autonomía del precio del objeto, o sea su valor en relación a otras cosas, disimulando las relaciones sociales entre los hombres, en un ejemplo clásico de fetichización de la mercancía.
El "aura" reafirma el fetichismo al dotar al productor artístico de supuestos valores naturales superiores, más o menos en consonancia con su supuesta genialidad. El precio de la obra en el mercado no depende de la calidad artística en sí sino en la eficacia del aparato publicitario desplegado por los mercaderes y otras instancias en torno al autor, a la corriente artística en la cual se inscribe, etc. Aquí la critica, al servicio de estos intereses, cohonesta las pretensiones del sistema al apoyar aquellos supuestos, integrándose al aparato previsto para este género de la producción humana: galerías, museos, revistas y páginas especializadas, concursos, jurados, becas, premios, encuentros, etc., instituciones sociales legítimas en sí mismas, salvo cuando se suman a los mecanismos de control mercantil e ideológico a cargo de quienes detentan el poder.
Así es que el propio nombre del artista (y no su obra) contribuye a valorizar la mercancía artística. Su firma es garantía de autenticidad reafirmando el "aura", fetichizándose a su vez a sí mismo y a las imágenes o signos sociales que produzca, pasando éstos a tener connotaciones ajenas, incluso contrarias a su deseo. Imágenes y palabras que son constreñidas a satisfacer necesidades ideológicas del sistema a los efectos de construir un mundo ideal sin contradicciones, inmutable, que oculte las lacras sociales bajo un "manto de signos", banalizados, fuera de contexto e inoperantes.
La obra, entonces, se transforma, de fruto supremo del espíritu, en vehículo de la reproducción del capital, incluyendo la ganancia que enriquece a los intermediarios, ya sean galeristas o empresas seudoculturales de sujeción ideológica. Y, el productor de arte, de artista sublime, en generador de capital, sobre el cual planean las empresas husmeando las futuras ganancias .
La legitimidad del artista a vivir de su trabajo es indiscutible. Ésta es, sin duda, insoslayable reivindicación social de cualquier artista, se valga del lenguaje que sea, plástico, teatral, verbal, musical, etc. Pero, en esta sociedad, el artista tiene dos opciones: someterse a las leyes del mercado y alienarse de sí y de su obra o crear sus propios canales alternativos de producción y difusión. Marginalizarse, cerrarse en el "guetto cultural" basados en la supuesta total autonomía del arte con respecto a la sociedad, significa crearse un mercado a la medida, es decir, a la medida de los inte- reses del mercado al agregar un elemento exótico que mejora la cotización, a la vez que suscita o despliega expectativas personales. La legitimidad del artista a vivir de su trabajo es indiscutible. Ésta es, sin duda, insoslayable reivindicación social de cualquier artista, se valga del lenguaje que sea, plástico, teatral, verbal, musical, etc. Pero, en esta sociedad, el artista tiene dos opciones: someterse a las leyes del mercado y alienarse de sí y de su obra o crear sus propios canales alternativos de producción y difusión. Marginalizarse, cerrarse en el "guetto cultural" basados en la supuesta total autonomía del arte con respecto a la sociedad, significa crearse un mercado a la medida, es decir, a la medida de los inte- reses del mercado al agregar un elemento exótico que mejora la cotización, a la vez que suscita o despliega expectativas personales.
La primera opción, la mercantil, desplaza el valor de uso de la obra (estético) a su valor de cambio (económico), implicando la aceptación de las exigencias del mercado digitado por los sectores interesados en lo que significa la manipulación de gustos, tendencias, estandarización, consumismo, etc. y, sobre todo, impone las reglas de un consumo contemplativo que reafirma las actitudes pasivas tan necesarias a la conservación del sistema. En palabras de Adolfo Sánchez Vázquez ...el arte así mercantilizado viene a consagrar la concepción del arte como producción de objetos únicos como actividad creadora propia de individuos excepcionales pero, en definitiva, como producción de objetos vendibles o mercancías que, por tanto, sólo llegan al espectador tras pasar necesariamente por el mercado para suscitar en él la relación pasiva, contemplativa, característica del arte tradicional. (De la Crítica de Arte a la Crítica del Arte).
La segunda opción responde al requerimiento de Bertholt Brecht. No será una lucha por cuestión de criterios, sino una lucha por los medios de producción, las imprentas. La propuesta alternativa supone el control de los medios de producción y distribución de las obras de arte por parte de los propios productores. No en el sentido de ampliar el cuadro de empresas, ya que no es la forma de trabajo, en este caso competitivo, la que produce la alienación, sino el régimen productivo en el cual se realiza. Tampoco significa tender a la supresión del mercado (lo que en este sistema sería utópico), ni contender en aquello en lo cual el sistema es más eficaz la promoción publicitaria, la distribución masiva, el despliegue del "aura", etc. .
Controlar en lo posible todo o parte del proceso productivo, sin dejar de desatender las reglas del mercado se plantea como revolucionario en cuanto se logra que la obra de arte recupere su función social y vuelva a ser legítima expresión de la sociedad que le da origen y no expresión de manejos especulativos o de "discursos" ideológicos. Sin desatender el mercado porque es en ese campo en donde la obra producida por los circuitos alternativos deberá dar su lucha contando para ello con su única arma: la funcionalidad informacional y su capacidad de "extender los límites".
De esta manera, la obra de arte recupera su poder como instrumento de comunicación (y no sólo canalizador de ganancias o atesorador de capitales) y se hace claro su sentido político (no partidario) en cuanto forma sublimada de la conciencia social y, como tal, instrumento de conocimiento cuya función es auxiliar la producción social con el propósito de mejorarla y hacerla alcanzar más y mejores niveles.
Se puede decir que sólo se atacan los efectos y no las causas de la alienación, lo cual es real bajo cierto punto de vista. La alienación sólo puede superarse superando aquello que la provoca: el régimen productivo. Sin embargo, en tanto la opción alternativa va generando elementos y valores que sólo podrán imponerse en un régimen social más avanzado, recuperamos un eficacísimo instrumento de comunicación que nos permite, al decir de los artistas argentinos autores de la obra "Tucumán Arde" (1968), "...reubicar los signos (las obras) en donde puedan cumplir un rol revolucionario, difundiendo un arte 'desde sí mismo' (y no 'con sí mismo') que exprese el punto de vista de los sectores sociales más interesados en el cambio de estructuras, intentando, de esta manera, superar la alienación justamente en aquello que la provoca". Pero seríamos parciales si no tuviéramos en cuenta que en América Latina, hoy, a fines del siglo XX, existen procesos de socialización de fuentes productivas y, no es descartable opinión que, en el futuro, este proceso se acelere radicalmente, habida cuenta de que este sistema no resuelve (al contrario agudiza) las terribles crisis económicas por las cuales transitan sin esperanza millones y millones de personas al sur del Río Bravo. En el nuevo tipo de sociedad que se ha comenzado a desarrollar, el artista superaría la alienación por neutralización de sus causas; la creación sería 'el acto más específicamente humano', no expresión de una relación injusta sino fruto genuino del 'ser' volcado a lo mejor de sí mismo, síntesis superior de lo mejor de la humanidad, supremo portavoz del verdadero humanismo.
No es extraño que la producción artística, en lo que atañe a su naturaleza, que debiera reflejar en su totalidad la especificidad de lo humano, esté ideológicamente distorsionada por el sistema al punto que, en esta etapa histórica de supremacía institucional imperialista, léase transnacional, el arte aparezca como un artículo de lujo, sobre el cual sólo es lícito hablar mediante un discurso autónomo, es decir, a partir de sí mismo. Pero sabemos, a partir de Bertholt Brecht, que el arte no podrá salvarse si no se salvan primero los hombres.
Al asumir la sociedad la responsabilidad total por la producción de los bienes necesarios para su supervivencia, asume, también, los bienes de producción correspondientes al área cultural, pero los asume a través de sus verdaderos cultores, los artistas que, de asalariados al servicio más o menos conspicuo de las ideas y valores hegemónicos, pasan a ser dueños de sus destinos, organizando la producción de acuerdo a sus necesidades individuales y sociales de la sociedad en ascenso a mejores niveles de vida, tanto material como espiritual.
En relación con este tema, Carlos Marx decía: En la sociedad comunista no habrá pintores, sino hombres que, entre otras cosas, pintan. Rubén Yáñez, actor y director teatral uruguayo, dice en su libro Estética y Marxismo: "Si la naturaleza de un hombre es la de expresarse como tal a través de la pintura, no puede poner la pintura en un encuadramiento tal que haga de ella su negación como hombre. "
Y, nosotros, para terminar, decimos parafraseando a Epicuro: ¿De qué sirve el arte sino está al servicio de los hombres?.
Clemente Padin clepadin@adinet.com.uy. Montevideo (Uruguay) 21-4-98
El rol del artista es justo el sentido que no tiene ningún rol que cumplir, no tiene tarea ni función publica. Está libre de las ataduras sociales por un lado, pero está preso como los demás en las estructuras económicas. La mayoría de los llamados artistas usan ese espacio, ganado por las vanguardias del siglo 20 en fuertes luchas ideológicas, para celebrar su yo y confunden su arte con egocentrismo.
Aunque el o la artista no tiene rol específico que cumplir si puede contribuir desde esta ventaja de libertad a una crítica de la sociedad, contribuye así desde afuera, desde su posición marginal, y ayuda así a que su sociedad no se cierre a lo desconocido o lo extranjero a ella. El o la artista no encaja en los moldes de la sociedad y es uno de los primeros habitantes de la aldea global, porqué su obra no necesita fronteras y idiomas, para establecerse en el espacio-tiempo universal de la humanidad.
Hans Braumüller braumueller@on-line.de 1-5-98 Hamburg, Germany
No podemos hablar sobre "el papel del artista" sin aclarar qué es ser artista (realmente sí podemos hablar sin aclararlo. Daría para muchos textos universitarios; cuanto menos se aclare, más libros beberán del malentendido o de la ambigüedad tal vez inevitable).