Algunos temas tratados en la obra gráfica y en las postales están desarrollados también en las pinturas de las muestras, aunque abordados desde un punto de vista diferente.

En los últimos años, la  obra pictórica de Zalamea había estado ceñida a la representación, sujetas a las formas definidas, al espacio tridimensional y a un manejo del color atmosférico y monocromático. Ahora, frente a sus lienzos se tiene la sensación de que los velos que matizaban las gamas tonales se han descorrido y surgen entonces colores fuertes, aplicados en estado puro. Este cambio tiene como objetivo tratar de resolver cada obra de una manera pictórica, trabajando la materia, el gesto.
Su pintura actual no afirma sino que interroga, no sienta un postulado sino que se abre a múltiples interpretaciones, no tiene unos límites trazados sino que fluye, sin correcciones de forma y color. El espacio se fragmenta, se vuelve planimétrico, y la línea del horizonte desaparece. Como se ha liberado de la intención representativa no existe oposición figura - fondo. El tiempo está manejado de una manera fragmentada, planeando la simultaneidad de diferentes momentos en el plano,  y eliminando la vivencia onírica de la memoria, tan patente en otros momentos de su producción.
El artista elimina la anécdota significa los elementos que protagonizan su última obra. Lo que antes eran claras representaciones, dentran en está ocasión en el terreno del diseño; así vemos como sus constantes barcos y ballenas o nuevos objetos como jarras y escuadras son ejecutados de una manera abstracta y elemental, hasta convertirse en un pretexto que sirva a Zalamea para crear formas y zonas de color.
Abstracción y figuración, pintura y dibujo, técnicas siempre presentes dentro de la producción del artista, toman fuerzas en sus nuevos trabajos. Por más libre que parezca el tratamiento de pigmentos, surge una línea que remarca y delimita, si ya no hay espacios, al menos zonas tonales, o que crea la ilusión de planos arquitectónicos dentro de estos bloques de color.
La iconografía que proviene de su trabajo pasado resulta despojada ahora de cualquier significado inicial. Las imágenes que cargó de sentido, las figuras que conservan su valor simbólico o conceptual en la pintura anterior, se liberan aquí de su resonancia semántica, para recuperar en ella tan solo su validez plástica. Así pues, los íconos se convierten en pretextos pictóricos, en apartes de un lenguaje donde lo que cuenta, finalmente, son los valores plásticos.
La obra El rapto podría ser la que ilumina de alguna manera más clara este viraje: obsesiones de su universo creador como las figuras femeninas creadas de in cuadro de Armando Morales, aparecen en este trabajo en una escala mínima, dentro de un estado fragmentado. Una bestia blanca, apenas insinuada, que representaría el instinto, parece devorar estas mujeres. Los lienzos en esta exposición semeja una puerta que se abre al fluir y a la aceptación de valores, ya no cercanos al romanticismo, como ocurría con su obra contestataria o evocadora de décadas pasadas ,sino pertenecientes a una estética que asume el juego con premisas más contemporáneas.
G. Vattimo asevera que los medios de comunicación caracterizan a "esta sociedad no como una sociedad más 'transparente', más consciente de sí, más 'ilustrada' sino como una sociedad más compleja, incluso caótica...y que precisamente en este relativo ' caos', ya que la obra a dejado de ser una entidad unitaria, con un desarrollo lógico y lineal, en la cual podemos entender globalmente una historia con sus antecedentes y consecuentes.
En la obra de Zalamea, por ejemplo, pese a que se conservan ciertas constantes a nivel formal, estas han sido despojadas - como ya l0 habíamos advertido - de su carga semántica. El espacio ha perdido su espacio de tercera dimensión  y el tiempo su cualidad de devenir, con sus consecuentes delimitaciones claras para el pasado y el futuro. Para poder aproximarse a sus trabajos la lectura debe incorporar la categoría de simultaneidad.
Y no solo en los niveles espacio - temporales, sino en toda la gama de aproximaciones a la realidad y la imaginación que ofrece.
Todos los momentos de su obra anterior se encuentran presentes en cada uno de los trabajos de esta muestra, pero en un contexto diferente y abordados desde múltiples ópticas a nivel conceptual y estético, que no permiten un punto de vista central. En esta pluralidad de lecturas estaría la incertidumbre para aproximarse a la realidad, pero también están las posibles puertas de acceso a la lectura libre de esquemas que permitan una experiencia enriquecedora y emancipadora
 

El empleo de la tela cruda produce una impresión de inmediatez y transparencia. Mediante el color y el grafito se conforman espacios claros y líneas, ritmos vitales que generan movimiento, y en los que el gesto y el accidente son provocadas para acrecentar la sensación de un tiempo frágil, único e irrepetible (Mínimas huellas luminosas) (...)

Ahora procuro dejar las obras "abiertas", con el proceso a la vista, para que no se pierdan las fuerzas y el encanto de las primeras ejecuciones (el oficio como virtuosismo puede ser más peligroso para la vida de la pintura: la Medusa petrificaba todo lo que veía) ¿Quién puede determinar cuándo está terminada una obra? ¿Cuál es la apariencia de una obra terminada?.
Mi intención es comprometer al espectador además de atraerlo , estoy jugando deliberadamente con la presentación de la imagen. Le digo: esto que está usted viendo es una ilusión como cualquier otra obra de arte, como cualquier otro artefacto; es usted quien transforma esta pintura en obra, es usted quienes le otorgan sus valores, si ella es capaz de conmoverlo y conectarlo con otros territorios de la sensibilidad y la imaginación; no le entrego una representación resuelta del mundo, le entrego un ensayo, un punto de referencia y de apoyo.
Entrevista con Doris Elena Mayorga, Revista Huella,
Academia de Artes Guerrero, No 8, Mayo 1997.