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ASTOR NOTAS

CONCIERTOS: Viena – Lausanne –Amsterdam – Grecia (Atenas ) – St Luke´s Princeton Orchestra - Italia ( varias ciudades ) - Teatro Colón de Buenos Aires. Y muchos más en EEUU, Brasil y Argentina.

MUSICOS CON LOS QUE HA GRABADO: Gerry Mulligan, Gary Burton, Manos Hadjidakis, Kronos Quartet etc.

MUSICOS QUE LE HAN DEDICADO DISCOS: Al di Meola, Gary Burton, Gidon Kremer, Gerry Mulligan, Yo Yo Ma.

ARTISTAS QUE LO INTERPRETARON: Guy Marchand, George Moustaki, Susana Rinaldi, Roberto Goyeneche, Grace Jones, Al di Meola, Yo Yo Ma, Mina, Milva, Eladia Blázquez, Gidon Kremer, Gary Burton, Julen Clerc, Jairo, etc.

MUSICOS QUE LE ENCARGARON OBRAS: Pat Metheny, Keith Jarret, Chick Corea, Ensemble Musical de Buenos Aires, Mstilav Rastrpovich, Melos Ensemble etc.

FORMACIONES MUSICALES: Quinteto, (la preferida) Sexteto,
Conjunto Nueve y unas pocas veces Octeto.

ESTUDIOS MUSICALES : Serge Rachmaninov, (piano) Nadia Boulanger, Alberto Ginastera, Spivak.

PREMIOS Y NOMINACIONES OBTENIDOS: 1950: por "Rapsodia Porteña" gana el Empire Tractor Co. En EEUU - 1952: Gana el primer Premio de Composición en Francia, por lo que el gobierno francés le otorga una beca para estudiar en París con Nadia Boulanger 1953: Su sinfonía "Buenos Aires" gana el premio Fabián Sevitski. 1954: su "Sinfonietta" es nominada por la Asociación de Críticos Musicales de Buenos Aires. 1963; Gana el Premio Hirsch. POST MORTEN: Su composición "Oblivión" es nominada como mejor composición instrumental por los Grammy Awards en 1993. En Italia el jurado del Premio de la Crítica Discográfica, le otorga, por unanimidad, el Primer Premio Absoluto al Mejor Disco de Música Instrumental con la siguiente mención: "Por el valor de las composiciones y por la sorprendente creatividad de los arreglos que otorgan al Tango una dimensión completamente novedosa.
BIOGRAFICOS: Nació en Mar del Plata el 11 de Marzo de 1921 y murió en Buenos Aires 4 de Julio de 1992.

NOTAS GENERALES:
1.-Una vida de lucha contra la incomprensión, la mediocridad a las que derrotó a punta de talento.
2.-Música de tal intensidad que pone en “trance” a los que la ejecutan.
y a los que la escuchan.
3.- Música de atmósfera plena de energía, una fuerza absolutamente incontrolable que solo poseen los grandes compositores contemporáneos.
3.1 Astor Piazzolla unas tremendas ganas de buscar.
4. Vivió parte de su infancia y adolescencia en Nueva York, con sus padres Vicente y Assunta. Allí comenzó sus estudios de música. TRAYECTORIA: 1940-1944: Toca con Aníbal Troilo. 1944: Dirige orquesta que acompaña a Francisco Fiorentino. 1946: Director y arreglista independiente. 1948: Debuta con orquesta propia en el Café Ateneo. En 1952 gana el premio de composición en Francia, por lo que el Gobierno Francés lo beca para estudiar con Nadia Boulanger. A su regreso realiza dos formaciones: El Octeto de Buenos Aires y la Orquesta de Cuerdas con las que revoluciona la música ciudadana, por lo que es ferozmente atacado: críticas despiadadas, boicot de editoriales y medios. En 1958 se va, entonces, A Nueva York en donde trabaja como arreglista. En 1960 regresa a Buenos Aires y forma su Quinteto.
A partir de 1980 comienza su proyección internacional como uno de los grandes del Siglo XX. Piazzolla uno de los pocos compositores que pudo grabar y representar la casi totalidad de su obra, la cual abarca unos cincuenta discos. En sus últimos diez años, escribió más de 300 tangos, unas cincuenta bandas musicales de films así como también temas musicales para obras teatrales y ballets. Esto sin contar las innumerables veces que su música grabada se usó en obras teatrales y T.V.

SOBRE SU MUSICA: NOTAS

En 1955 (34 años) y a partir de la creación de su Octeto materializa sus investigaciones y define con esta formación, más que un tamaño musical, una estética. La investigación que inicia con el Octeto, encuentra su expresión más acabada en el Quinteto de los 60-70 (al que se podría llamar el primer Quinteto), ya que allí aparecen algunas de las claves del Piazzolla ejecutor: rotación constante de solistas, el contrapunteo como el rasgo saliente de la ejecución y la improvisación de sus músicos. Lo precedente significa su adiós definitivo a los tradicionales enfoques orquestales. A la manera del jazz cada músico del Quinteto es un solista dentro del conjunto, ya que está preservada su capacidad de improvisación, que no es vista de manera ornamental, sino como una forma de profundizar la música escrita en la partitura. Al formar su Octeto dijo: Era necesario sacar al tango de esa monotonía que lo envolvía, tanto armónica como melódica, rítmica y estética. Fue un impulso irresistible el de jerarquizarlo musicalmente y darle otras formas de lucimiento a los instrumentistas. En dos palabras, lograr que el tango entusiasme y no canse al ejecutante y el oyente, sin que deje de ser tango, y que sea más que nunca música. Será bueno apuntar que las feroces críticas, los innumerables boicot y saboteos recibidos, por críticos, editoriales, músicos y medios y que lo llevaran a emigrar en 1958, hicieron que en el 60, al formar el primer Quinteto, ya no hablara más de tango y llamara a la suya “Música contemporánea de la Ciudad de Buenos” para burlarse de imbécil imputación de que su música no era tango.

Astor Piazzolla se constituye en un fenómeno musical que se ubica en el límite entre lo clásico y lo popular ya que se nutre de la potencia y el origen popular, al que le agrega una profunda atención a la partitura (con las libertades para improvisar dentro de ese riguroso marco) y escrupulosidad técnica excepcional. No obstante estar en este límite su ESENCIA es popular por que PARTE DEL TANGO, no al revés. No trata de llenar al tango de ornamentos sinfónicos, ni agregarle gestualidades de música culta, sino partir de su entraña, con rigor y creación (nuevas armonizaciónes, fugas, contrapunteo) para actualizarlo y al igual que Bartok y Stravinsky nutrirse de lo popular, pero, tal vez a diferencia de ellos, para devolverlo al mismo campo con la necesaria actualización de los tiempos históricos sociales de un género, como el tango acompaña, cuando puede, cuando tiene los creadores, los movimientos de su metrópolis.

EL QUINTETO 1: 1960-1970.

Fue su formación preferida en la que desarrolló con más fuerza su identidad musical. En esta formación están los instrumentos esenciales de su música (bandoneón, piano, violín, contrabajo y guitarra eléctrica). Dentro de esta formación y en esta época, produce las obras que lo definen más como compositor: Nonino, las Cuatro Estaciones Porteñas, Muerte y Resurrección del Angel.

EL QUINTETO 2: 1978-1988.

En éste, Piazzolla continúo desarrollando su más alta capacidad creativa. Si bien esta formación ejecuta versiones diferentes y tiene un sonido distinto, para la misma compone obras que profundizan en su trabajo armónico y de contrapunteo: Mumuki, Contrabajísimo, Libertango, Chin Chin, Tristeza de un doble A. Esta formación destaca del anterior Quinteto por un mayor énfasis en la improvisación y por un ensamble casi perfecto, debido a la enorme cantidad de conciertos y giras mundiales que realizó, formación al punto que la mayoría de sus grabaciones (tal como sucediera después con el sexteto) fueran
tomadas de sus presentaciones en vivo, lo que evidencia la formidable compenetración de este grupo.

LAS OTRAS FORMACIONES:

Conjunto Nueve: 1971-1972: Con esta formación, con la que realiza innumerables giras por argentina, América Latina y Europa y una presentación, aunque con otros músicos de Nueve original, en el Teatro Colón el 11 de Junio de 1983 y para la que escribe “ Concierto de Nácar”; Piazzolla desarrolla un corte más sinfónico, que el de sus formaciones esenciales: el quinteto y el sexteto. Hay en Conjunto Nueve un mayor aprovechamiento de otros planos instrumentales. En esta formación, en la que alguna ocasión se le agregó la Sinfónica de Buenos Aires, siguió manteniendo Astor, los elementos esenciales de sus nutrientes sin acceder a la tentación de convertirla en un Conjunto de “música culta” que condesciende al tango”.

Sexteto Nuevo Tango: 1989-1990: Este fue el último grupo fundado por Piazzolla en el que incorpora al talentoso bandoneonista Daniel Binelli y al creador pianista Gerardo Gandini y al que se deben los C.D “The Laussanne Concert” y “Luna” grabado en el The Royal Carré Theatre, Amsterdam. Piazzolla dijo de este grupo que “fue una equivocación” y después de la misma volvió al Quinteto hasta que lo sorprendió la muerte. De todas maneras el Sexteto no parece haber sido un error musical ya que en el mismo, con la inclusión de otro bandoneón, se advierte en el mismo un nuevo empuje experimental que se evidencia, particularmente en “Laussanne”, en el que quedan algunas de sus últimas composiciones.

LOS OTROS PERIODOS:

1."Operita" y Tango Canción.
Los dos primeros y especialmente el segundo, van acercando a Piazzolla al gran público (ambos son, para el que escribe una suerte de “lateralización“ del talento de Astor). En 1967, en colaboración con su gran amigo, el poeta uruguayo, Horacio Ferrer, escribe “María de Buenos Aires”, a la que ambos llamaban la Operita, que se estrena el 8 de Mayo de 1968, en una Buenos Aires, que vivía, para la época un singular estado de replanteos y cuestionamientos.
La “Operita” es bien recibida y acerca a Piazzolla al gran público. Explosión que se producirá en 1969 con la aparición de “Balada para un Loco” (que se convierte en resonante éxito mundial) al que le siguen los también exitosísimos “Chiquilín de Bachín”, “ Balada para mi muerte “ y muchos otros surgidos de la prolífica unión con Ferrer.
2. La etapa eléctrica.
En 1970 Piazoolla disuelve el Quinteto que venía actuando, con algunos paréntesis desde 1960, haciendo con el mismo algunas presentaciones ocasionales. Le sigue en 1971-1972 el Conjunto Nueve y en cuanto este se disuelve, Piazzolla comienza su etapa europea, de decidido carácter orquestal en la que Piazzolla se presenta como solista al que acompaña una orquesta sinfónica. En esta etapa su música se hace más permeable a las influencias eléctricas que predominan en el jazz y el rock de esos años, hasta que 1978 vuelve a formar el Quinteto retornando a los instrumentos acústicos y a la formación que marcó su impronta más importante en el conocimiento mundial.

Ricardo Bargach Mitre